Diferencias entre museos y museos virtuales

Los museos son con acceso limitado ya sea por la entrada (cara) o por la distancia, tiene horario ilimitados. En estos al ver una obra provoca sentimientos al que lo esté mirando. La función mas importante es la identificación de la obras
(falsificada o no). Lo que más me disgusta de los museos es las visitas guiadas;
En cambio en los museos virtuales se puede ver cuando uno lo desee y ve lo que quiere ver. Acceso para todo el público y se puede visitar sin moverse de su casa. Lo malo de este es que no se me en tamaño real y es una copia ya que es una fotografía.
Esto concluye las diferencias entre museo y museos virtuales

Surrealismo

El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.

Dadaismo

Movimiento artístico surgido primero en Europa y posteriormente en Norteamérica; fue creado en el Cabaret Voltaire en Zúrich, Suiza entre 1916 y 1922 con Hugo Ball como fundador y, posteriormente, adoptado por Tristan Tzara, quien se convertiría en la figura representativa de dadá. Artistas reconocidos de este movimiento fueron: Tristan Tzara y Marcel Jank de Rumanía, el francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball, Hans Richter y Richard Huelsenbeck.
El movimiento dadaísta es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestionan la existencia del arte, la literatura y la poesía. Por definición, cuestionan el propio dadaísmo. Dadá se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general. Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el no donde los demás dicen sí y el sí donde los demás dicen no; defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección. Por tanto en su rigor negativo también está contra el modernismo, es decir, el expresionismo, el cubismo, el futurismo y el abstraccionismo, acusándolos, en última instancia, de ser sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto de serlo. La estética dadá niega la razón, el sentido, la construcción del consciente. Sus formas expresivas son el gesto, el escándalo, la provocación. Para dadá la poesía está en la acción y las fronteras entre arte y vida deben ser abolidas.

Neoexpresionismo

El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.
Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.
El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos.

Hiperrealismo

El hiperrealismo es un movimiento surgido como reacción frente al arte abstracto y al movimiento conceptual en Estados Unidos a finales de la década de 1960. Utiliza la fotografía en lugar de la representación directa para elaborar sus obras.

La fotografía, con una precisión mucho mayor que la del ojo humano, le permite al artista lograr una representación de la realidad que va mucho más allá de la realidad percibida por el espectador. En esa distancia es donde surge aquello que algunos han definido como "más verdadero que lo real".

La fotografía constituye casi siempre el punto de partida del hiperrealismo, lo que a veces le ha valido ser denominado fotorrealismo o superrealismo. En algunos casos el uso del aerógrafo refuerza el aspecto brillante de la pintura y sus similitudes con el papel fotográfico.

Happenings

Happening (de la palabra inglesa que significa evento, ocurrencia, suceso).
Surgida en los 1950.
Es una manifestación artística que se caracteriza por la participación del público, donde las acciones surgen espontáneamente, sin previa organización. Es por eso que su tiempo de duración varía y cuando concluye, los finales son irrepetibles. Frecuentemente se producen en lugares públicos. Además interviene la música y el teatro
Es difícil establecer características comunes a los artistas pertenecientes a esta corriente, puesto que cada uno de ellos lo adapta a su forma personal. Entre los representantes más significativos podemos mencionar a: Beuys, Vostell y Kaprow; quienes aunque hayan sabido dibujar y llevar a cabo importantes obras, no implica que sean considerados pintores.

Arte Cinético

El arte cinético es una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o que parecen tenerlo.
El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Este principalmente representado en el campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras. Pictóricamente, el arte cinético también se puede basar en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente contrastadas.
Es una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para producir una impresión de movimiento. El nombre tiene su origen en la rama de la mecánica que investiga la relación que existe entre los cuerpos y las fuerzas que sobre ellos actúan.
Escultores cinéticos
• Yaacov abra
• David Ascalon
• Jo Andres
• Daniel Buren
• Alexander Calder

Op Art

Op-art es la abreviatura de "Optical-Art", se empleó por primera vez en 1964 en la revista Times. Se ha cuestionado si el arte óptico debe considerarse incluido en el ámbito del arte cinético.

Características generales:

 Es una evolución matemática del arte abstracto.
 Se usa la repetición de las formas simples.
 Los colores crean efectos vibrantes.
 Gran efecto de profundidad.
 Confusión entre fondo y primer plano.
 Hábil uso de las luces y las sombras.
 El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve.
 Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo.
 En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotraen.
Representantes del Op-Art:
• Víctor Vasarely
• Jesús Rafael Soto
• Bridget Riley
• Kenneth Noland
• Lawrence Poons

Pop Art

El arte POP es un estilo muy típico de años sesenta y setenta del siglo XX. Nació y se desarrolló primero en Estados Unidos (Nueva York fundamentalmente) pero pronto pasó a Europa occidental.
El pop es toda una cultura de esa época ligada a los medios de comunicación de masas, al consumo de drogas, a la música, a la vida enloquecida y desbocada, a una sociedad de consumo desaforado y a un gusto generalizado por lo inmediato y efímero.
Su mensaje es sencillo y claro y se dirige al común de la sociedad. No se persigue la originalidad sino más bien la reinterpretación de fotografías, grabados y pinturas anteriores. Fundamental es el color, chillón y provocador, así como la temática, muy simple y directa.
Los diversos pintores de este estilo reaccionan contra el abstractismo al considerarlo alejado de la realidad y difícilmente entendible por la población. Ellos se basan en la realidad cotidiana, a veces demasiado cotidiana (botellas de Coca Cola, botes de tomate, fotos de Marilyn coloreadas, etc.). Eso sí, todas las obras presentan enormes dimensiones.
Este arte POP no es tan simple. Lo que importa en este movimiento es ser valioso, la originalidad, lo nuevo.
En esta exposición se pueden nombrar a dos grandes maestros del pop:
Roy Lichtenstein y Andy Warhol.

Neo-Impresionismo

En el Neo-Impresionismo se agrupan las más diversas tendencias, muchas de las cuales desbordan todo intento de clasificación cronológica, puesto que en gran medida se corresponden con figuras concretas: por ejemplo, Edvard Munch, autor de El Grito, sigue trabajando hasta su muerte después de la II Guerra Mundial. Van Gogh, en cambio, muere prematuramente en 1890. El Neo-Impresionismo es básicamente un movimiento de reacción ante el Impresionismo: habiendo agotado éste su intención estética, la única que tenía en realidad, se ve incapaz de ir más allá. Sus veteranos, y los jóvenes pintores de París y otros países europeos influidos por el nuevo estilo, se enfrentan a la necesidad de abrir nuevas vías de investigación pictórica. Las respuestas a esta necesidad serán diferentes según tendencias como el Puntillismo o el Simbolismo, o según pintores, difícilmente clasificables en una Escuela concreta, como Cézanne. En cualquier caso, se aprovechan los avances del Impresionismo sobre teoría del color e independencia de los temas y se introducen factores nuevos que permiten revalorizar la importancia del arte.

Impresionismo

Movimiento pictórico francés de finales del siglo XIX que apareció como reacción contra el arte académico. El movimiento impresionista se considera el punto de partida del arte contemporáneo.
El impresionismo en pintura partió del desacuerdo con los temas clásicos y con las fórmulas artísticas preconizadas por la Academia Francesa de Bellas Artes. Los impresionistas escogieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. Las figuras principales del movimiento fueron: Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, y Auguste Renoir.
Los impresionistas se preocuparon más por captar la incidencia de la luz sobre el objeto que por la exacta representación de sus formas, debido a que la luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra. Los pintores académicos definían las formas mediante una gradación tonal, utilizando el negro y el marrón para las sombras. Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios —cyan, magenta y amarillo— y los complementarios —naranja, verde y violeta—. Consiguieron ofrecer una ilusión de realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas, que mezcladas por la retina del observador desde una distancia óptima aumentaban la luminosidad mediante el contraste de un color primario (como el magenta) con su complementario (verde). De este modo, los impresionistas lograron una mayor brillantez en sus pinturas que la que se produce normalmente al mezclar los pigmentos antes de aplicarlos.
Los impresionistas evolucionaron hacia distintos estilos individuales y compartieron como grupo sus experimentos sobre el color. Sólo Monet fue ortodoxo en la aplicación de la teoría impresionista. Pintó varias series —la catedral de Ruán, la estación de Saint-Lazare, los álamos— en diferentes horas del día y estaciones del año. Pissarro utilizó una paleta más delicada y también se concentró en los efectos de luz sobre las formas. Los sutiles paisajes de Morisot se destacan por la intensa pincelada más que por la precisión lumínica

http://www.supercable.es/~maika1/texto/impresionismo%20arte.htm

POSTIMPRESIONISMO

Van Gogh representó mejor el postimpresionismo, estilo que sucedió aproximadamente en un periodo entre 1885 y 1915. Representó una vía divergente del impresionismo, donde los pintores hacen de la vida cotidiana su tema principal.
La técnica que empleaba era diferente según el efecto que quería conseguir, cubría los planos con colores puros, mientras que en otros cuadros ponía pinceladas amplias y a veces perfilaba todo el dibujo con trazos gruesos. Otras veces, trabajaba con un pincel duro rayando todas las formas, según le interesara, acentuaba las líneas o el color, El trazo con movimiento rítmico lo repetía tanto en los dibujos como en las pinturas.

ARTISTA ELEGIDO: VAN GOGH
Nació en Holanda. Busca en sus lienzos la forma de expresar sus sentimientos más íntimos, no de plasmar su impresión de la realidad, por lo tanto este pintor ya no es impresionista, sino el precursor del expresionismo.
Su arte exaltado y violentamente expresionista se manifiesta mediante esa "feria" de colores luminosos y su técnica tan personal, de pinceladas empastadas, largas y tortuosas, (como su alma y su personalidad atormentadas) inspiradas en el impresionismo y en las estampas japonesas.
Enamorado de las tierras cálidas y luminosas de la Provenza, tiene la obsesión de los horizontes infinitos. Pinta paisajes violentos, irreales; bodegones de rutilantes colores; retratos.
Tuvo muchos problemas con su salud, sufría ataques de locura que dificultaron la convivencia con su amigo Gauguin, con el que vivió en la Provenza. En uno de esos ataques se cortó una oreja. Murió pegándose un tiro.
Pero su pintura no murió, sino que fue la principal inspiración para los fauves y los expresionistas alemanes.
Algunos de sus cuadros son: "Los girasoles", "Cuervos sobre un campo de trigo", "Iglesia de Auvers", "Autorretrato", "Noche estrellada"…



Análisis de la obra: "Noche estrellada"
Curvas voluptuosas en el cielo, estableciendo la relación, dando sensación de acción dinámica y vitalidad. Además vemos la relación entre el ciprés principal y la torre de la iglesia del pueblo que es una repetición de formas, las cuales podrían enmarcarse en un triángulo que dan sensación de estabilidad, firmeza.
También existe otra relación repetitiva entre la luna y las grandes estrellas representadas, múltiples círculos o mandalas representantes de la divinidad a la cual señalan la torre y el ciprés.
En cuanto al color, toda la obra está en colores fríos, salvo la luna y las estrellas que destacan por su color y luminosidad, jugando así con colores complementarios.
El centro de interés corresponde a la estrella más luminosa cercana al ciprés.

Clasisimo, Romanticismo y Realismo

Clasicismo y romanticismo no son fácilmente separables. Se trata de dos polos contrarios que responden a una doble aspiración de la burguesía de fines de siglo XVII y parte del XIX; la tensión entre el orden y la libertad, o entre la razón y el sentimiento, se resolverá dando mayor preferencia al primer aspecto cuando se lucha contra la irracionalidad política de la antigua monarquía absoluta, mientras que la explosión de la libertad y el sentimiento se manifestará más tarde, una vez consolidadas las conquistas revolucionarias. Esto explica que el romanticismo dé la tónica moral al siglo XIX, sin que por eso desaparezcan los ímpetus neoclásicos. El hombre romántico alimenta un espíritu de rebeldía que le lleva a las más arriesgadas empresas políticas (“la revolución” como idea permanente es una de sus obsesiones) o personales: contra el convencionalismo amoroso, la pasión y la vehemencia; contra el materialismo, una exaltación religiosa conectada con el deseo de revivir el pasado medieval; contra el orden y la seguridad, el riesgo y la aventura.
Por primera vez en la historia. El romanticismo, como movimiento intelectual, cuenta con poderosos vehículos de difusión. Nuevas técnicas para producir y multiplicar imágenes a un precio reducido, surgen en estos años. La litografía permite al artista dibujar directamente sobre la piedra pulimentada con el fin de imprimir cuantas copias se deseen de ese original.







Las tendencias hacia el realismo maduran en el seno del romanticismo. La disolución de la visión clásica que se opera en la primera mitad del siglo XIX y la liberación de la técnica pistórica contribuyen a romper la tradicional jerarquía temática. Ya no era preciso pintar a los héroes y dioses de la antigüedad o a los grandes personajes bíblicos para ser considerado como un gran artista. Por el contrario, la atención se dirigía hacia el paisaje, hacia los tipos populares (cosumbrismo), hacia lo particular y lo perecedero. En toda esta actitud está la base del realismo que cristaliza como movimiento definido después de 1848.
Desde el punto de vista técnico, la pintura del momento asume y acentúa las grandes conquistas románticas, utilizándose también, con abundancia, las técnicas cada vez más perfeccionadas de reproducción impresa de la imágen. Las condiciones históricas han cambiado, sin embargo, de modo sustancial; la revolución de 1848 y la fuerza creciente de las organizaciones proletarias conllevan una agudización de la lucha de clase, obligando a muchos representantes del mundo artístico y literario a tomar partido ante los grandes problemas políticos y sociales. Muchos artistas se adhieren a la causa del socialismo, asumiendo como propios los sufrimientos y las aspiraciones de las clases desposeídas. Frente al deseo de evasión del romanticismo, ellos acentúan su apego a la realidad presente; frente al subjetivismo, afirman el imperio de lo objetivo, de “lo que está ahí” y que no se puede ni se debe soslayar.
Desde el punto de vista formal, la pintura resultante tiene mucho que ver con la reducción al plano del mundo exterior que se opera utilizando la cámara fotográfica. Los temas son menos heroicos y amables; campesinos embrutecidos por el trabajo agotador, emigrantes, lavanderas, picapedreros o simples paisajes pintados ante la naturaleza, en un deseo vehemente de representar la realidad tal como se supone que es. El positivismo filosófico y científico, el socialismo, y la creciente revolución tecnológica están pues, en la base del movimiento.




http://laotrapiel.wordpress.com/clasicismo-romanticismo-y-realismo/

El Arte

La definición de arte establece que el mismo es una disciplina o actividad, pero en un sentido más amplio del concepto, decimos que el talento o habilidad que se requiere para ejercerlo está siempre situada en un contexto literario, musical, visual o de puesta en escena. El arte involucra tanto a las personas que lo practican como a quienes lo observan; la experiencia que vivimos a través del mismo puede ser del tipo intelectual, emocional, estético o bien una mezcla de todos ellos.

En la mayoría de las sociedades y civilizaciones, el arte ha combinado la función práctica con la estética, pero en el siglo XVIII, el mundo occidental decidió distinguir el arte como un valor estético que, al mismo tiempo, contaba con una función práctica. Si buscamos una definición de arte de índole más “pura”, decimos que es un medio por el cual un individuo expresa sentimientos, pensamientos e ideas; es así como vemos a este conjunto plasmado en pinturas, esculturas, letras de canciones, película y libros. Las bellas artes centran su interés en la estética, nos referimos a la pintura, danza, música, escultura y arquitectura; las artes decorativas suelen ser utilitarias, es decir “útiles” específicamente.